Las novedades de FlixOlé en octubre de 2026
Las novedades de FlixOlé en el mes de octubre Un vistazo a las 10 novedades más destacadas que se incorporan a la plataforma en este
La huella del poeta García Lorca en la pantalla
Un artista de pies a cabeza que sirvió de inspiración para muchas adaptaciones cinematográficas
Helena Fernández
Son pocos los que no decaen ante el olvido y no quedan supeditados al paso del tiempo. Como si el deterioro de su vida no incluyera la esencia de su arte, que sigue latente, incluso con más fuerza que antes de su último aliento. Entre esa cantidad reducida de personas capaces de retener el tiempo en sus poemas se sitúa Federico García Lorca. Un poeta y dramaturgo real y fiel a sí mismo, con una clara voluntad de libertad y una permanente búsqueda de modernidad y renovación artística.
Un artista que reflejó un mundo cruel e injusto en el que la libertad individual parecía estar en constante choque con la normativa de la época. Sus escritos han conseguido traspasar generaciones y formatos, manteniendo su esencia mientras encuentran otros modelos de representación, fusionando las obras literarias al lenguaje cinematográfico. Encontrando así la manera de homenajear tan artísticamente a una persona llena de arte.
Por ello, FlixOlé lanza una colección en honor a la gran figura que representa Federico García Lorca. Compuesta por 12 títulos como Lorca. El mar deja de moverse, La luz prodigiosa y Yerma.
La Novia, pese estar a punto de casarse, mantiene una relación clandestina con su antiguo amado Leonardo. Acto que desencadenará un casamiento que acabará en desgracia.
La conocida tragedia teatral de Lorca se extrapola a una concepción original que fusiona las coreografías de Antonio Gades y la visión cinematográfica de Carlos Saura. Una apuesta financiera del productor Emiliano Piedra que acabó siendo un fenómeno internacional e inició lo que se conoce como la Trilogía Flamenca.
El baile, que no es otra cosa sino una interpretación del alma en cuerpo y rostro, representa en esta obra el resurgimiento de un nuevo género y, una renovación de la cultura española en plena Transición.
Aunque el escenario no cambia, Saura emplea la cámara como un elemento coreográfico activo, lo que provoca una mayor inmersión del espectador en la escena y evita cualquier efecto monótono. De hecho, realza el aspecto clave de la obra, el danzar con el cuerpo libre de cualquier distracción. Por eso, los bailarines realizan los actos en una sala de ensayo diáfana, blanca y despojada, una ambientación que evite distraer al espectador de la verdad física de los bailarines. Unos artistas que se introducen de una forma pseudodocumental y que van progresivamente derivando hacia la metamorfosis de bailarín a personaje.
Aunque la obra no rebosa precisamente de diálogos, la narrativa no solo se cuenta mediante el movimiento corporal de los personajes, sino también vía el espacio sonoro de Emilio de Diego y el cantar de Pepa Flores, quien destaca con su interpretación de “Nana del caballo grande”.
Los cantos infantiles y las historias sobre la figura de Mariana Pineda que escuchaba Federico en su infancia resonaban tanto en su mente que le inspiraron para escribir un romance popular en tres estampas. Una obra que consolidó a Lorca como un dramaturgo de éxito ante la crítica y que, unas décadas más tarde, inspiró el proyecto audiovisual de Rafael Moreno Alba.
Una serie que consta de cinco capítulos guionizados tanto por el director como por Carmen de Icaza y Emilio Romero. Emitida en la época dorada de la TVE, supuso un hito en España por el esfuerzo técnico y el capital de más de 162 millones de pesetas empleado, convirtiéndola en una de las producciones más ambiciosas de la Televisión Española.
Sin embargo, no solo se convirtió en hito histórico por esos factores, sino que también contó con varios aspectos que la convirtieron en una obra tan trascendente.
Fue el primer proyecto en el que Marisol se desprendió de su famoso e icónico alter ego infantil para aparecer en los créditos como Pepa Flores. Un momento en el que no solo dejaba a un lado su anterior nombre, sino también sus tendencias políticas, sobre las que la prensa desenfundó una dura opinión en su contra, pareciendo casi que el visionado fuera sobre el “Proceso a Marisol”, ya que el público juzgaba la transformación ideológica y personal de la actriz.
Además, el capital que financió los cuatro meses de rodaje fue considerado una inversión estratégica, dado el momento en el que se encontraba el cine español. Una financiación que permitió contar, a su vez, con la fotografía de José García Galisteo y el diseño de vestuario de Javier Artiñano.
Aunque el desligamiento entre la visión romántica que presentaba Lorca de Mariana y la representación política que llega a la pantalla era palpable, el equipo de producción entendió que los aires poéticos con los que Lorca la inmortalizó no podrían desvincularse de la obra. Es por ello que, aunque se pasa más a un enfoque político que romántico, el tributo a la atmósfera lírica, musical y trágica, seguía presente en la serie.
Tras la muerte de su marido, la intención de Bernarda era obligar a sus cinco hijas a vivir encerradas en casa durante ocho largos años. Pero la aparición de Pepe el Romano hará que sus planes se vean frustrados.
La obra de Lorca tuvo que recorrer un largo camino antes de llegar a los escenarios españoles. Aunque Federico la terminó en 1936, no se estrenó hasta 1945 cuando la compañía de la actriz Margarita Xirgu la presentó en el Teatro Avenida de Buenos Aires, Argentina. En España, debido al franquismo, la obra no llegó al público madrileño hasta 1964, cuando se estrenó en el Teatro Goya de Madrid. Desde entonces hasta su adaptación cinematográfica pasarían más de veinte años. El proyecto cayó en manos de Mario Camus, quien, dada su experiencia adaptando textos literarios, parecía la persona indicada para trasladar la obra a la gran pantalla.
Sin embargo, el resultado del proyecto generó cierta controversia entre la crítica, que se dividió entre quienes la consideraban un mero “teatro filmado” y quienes, por el contrario, la entendían como una verdadera obra cinematográfica. No obstante, la maestría de Camus no podía quedar supeditada a tal calificativo despectivo. Un análisis detallado de la puesta en escena, demuestra que Camus no se limitaba únicamente a registrar una función teatral, sino que realizó una exhaustiva traducción del lenguaje y los significados que traspasa a la pantalla.
Porque mientras que en el teatro domina la palabra, la imagen constituye el territorio propio del cine. Y es justo por eso que esta versión demuestra que adaptar el teatro al cine no significa destruirlo ni camuflarlo, sino revitalizarlo y enriquecerlo a través de la cámara.
Una concepción que se refleja tanto en el diseño de vestuario de Pepe Rubio, nominado al Goya, como en la fotografía de Fernando Arribas, que respeta la voluntad de Lorca al tratar la obra aproximándose a un documental fotográfico y dotándola de una marcada carga simbólica.
En cuanto al reparto, Camus contó con Ana Belén y Enriqueta Carballeira, quienes ya habían interpretado sus papeles en el teatro y, por tanto, derrochaban gran complicidad y entendimiento con el personaje. Aunque dos grandes novedades y que sorprendieron al público, fueron Florinda Chico como La Poncio, e Irene Gutiérrez Caba, como Bernarda, recibiendo esta última una nominación al Goya a la mejor actriz por su interpretación.
La vida de Federico García Lorca llegó a su fin el agosto de 1936. La obra constituye un recorrido audiovisual de sus andaduras de niño y juventud en Granada hasta su muerte. La dirección de Juan Antonio Bardem pone énfasis en los aspectos más lúcidos de su trayectoria, al tiempo que aborda el trágico final en el que se vio sumido Lorca.
El silencio que parece haber rodeado su figura durante los cuarenta años de franquismo y casi una década después, llega a su fin. Hasta el momento, no se había realizado una biografía audiovisual tan detalladamente, únicamente existían aproximaciones documentales o ficciones extranjeras.
Aunque técnicamente se trata de una miniserie, fue rodada íntegramente en 35 mm, lo que proporciona una calidad cinematográfica propia de un largometraje. A partir de este material se confeccionaron dos versiones. El montaje completo está sustentado en los seis episodios cronológicos que se proyectaron de forma oficial en la 32ª Semana Internacional de Cine de Valladolid, en 1987, y se emitieron posteriormente en Televisión Española. La otra variante es una versión condensada de 121 minutos, resultado de fusionar los dos últimos episodios, concebida exclusivamente para salas de cine y festivales. Se estrenó en el Festival Iberoamericano de Huelva en 1987 y tuvo una proyección especial en Granada con el objetivo de que los vecinos conocieran el desenlace antes de su emisión televisiva.
Bardem no solo asumió la dirección, sino también la elaboración del guion. Sin embargo, consciente la densidad del proyecto, contó con la colaboración de Ian Gibson y Mario Camus para crear un relato riguroso y fiel. Por tanto, los tres figuran como guionistas, aunque desempeñaron distintas funciones. Gibson fundamentó los cimientos y rigor histórico del proyecto, mientras que Bardem construía la narrativa principal y Camus colaboraba y estructuraba el conjunto, además de aportar su conocimiento del universo lorquiano dado su trabajo simultáneo en el rodaje de La casa de Bernarda Alba.
Aunque su emisión fue un acontecimiento social que irrumpió el silencio acumulado sobre la historia de Lorca, también suscitó ciertas críticas en varios sectores debido a algunas decisiones históricas, artísticas y, especialmente, lingüísticas.
La interpretación de Lorca por el actor británico Nickolas Grace fue elogiada por su extraordinario parecido físico y su asombrosa capacidad expresiva. Sin embargo, el doblaje de Javier Dotú no tuvo la misma acogida. Su castellano plano y neutro carecía de acento andaluz y granadino asociado a Lorca, lo que desató la indignación en la prensa y varios sectores intelectuales.
La reconstrucción biográfica que torna esta obra, adopta un camino muy diferente al de Lorca, muerte de un poeta. Esta vez será Ricardo Fernández, un admirador de Lorca desde pequeño, quien hará de hilo conductor de la historia. Su afán y amor hacia Federico lo impulsan a investigar sobre la muerte del gran poeta.
Por tanto, la dirección de Marcos Zurinaga juega entre realidad y ficción, construyendo un relato guionizado por el propio director junto con Juan Antonio Ramos y Neil Cohen, quienes parten de la investigación de Ian Gibson para recrear el pasado del dramaturgo sin cruzar las fina línea entre creatividad y divagar por la fantasía.
El papel protagonista recae sobre los hombros de Andy García, cuya implicación en el proyecto fue más allá de la interpretación. El actor trasladó su arte también al plano musical, componiendo e interpretando a piano cuatro piezas originales para la banda sonora: “García Lorca suite”, “We Will Remember You”, “Samarra” y “Rumba a Lorca”.
En cuanto al equipo fotográfico tan aclamado, estuvo formado por Juan Ruiz Anchía y Teo Escamilla. Parte del equipo detrás de cámaras estuvo encabezado por Gil Parrondo, cuyo legendario manejo de la dirección artística, que le hizo merecedor de dos premios Óscar, quedó patente en el filme. Además, la obra logró dos nominaciones a los Premios Goya de 1998 en las categorías de mejor diseño de vestuario por León Revuelta, y mejor maquillaje y peluquería, por Francisca Guillot y Miguel Sesé.
Una coproducción hispanoestadounidense y puertorriqueña que retrata una perspectiva original sobre la biografía del poeta García Lorca, poniendo en el punto de mira sus últimos años de vida.
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