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La ópera prima de David de los Santos, La vida era eso, se pasea este viernes por el Festival de Málaga. Charlamos con Anna Castillo, quien interpreta a una emigrante española en Bélgica, donde conoce a María (Petra Martínez) en un hospital  

¿Qué es lo que más te animó a sumarte a esta película?

Anna Castillo: Me gustó mucho el guion. Me gustó la idea de contar la historia de dos mujeres que se encuentran en dos momentos muy distintos: una con muchas ganas de vivir y la otra muy apagada. Ahí se crea un cruce de energías que desembocan en un viaje en el personaje de Petra Martínez, y un despertar en ella que me parecía precioso. También estuve mucho tiempo hablando con el director David Martín de los Santos antes de que hiciéramos la película, porque llevaba mucho tiempo escribiendo y preparando ese guion. Hay algo en las óperas primas que tienen un cariño y una dedicación muy especial. Y luego, poder trabajar con Petra para mí era muy guay.

¿Y cómo es trabajar con Petra Martínez?

Anna Castillo: Es muy fácil trabajar con ella. Hicimos mucho proceso de ensayo, luego la peli se paró mucho tiempo, volvimos a ensayar… Los ensayos se basaban mucho en la improvisación, y Petra y yo tenemos un idioma muy parecido a la hora de actuar. Entonces había un juego muy agradable entre nosotras, muy fácil.

Cuéntanos sobre tu personaje. Porque es muy intensa Verónica, la chica a la que encarnas.

Anna Castillo: David y yo hicimos mucho trabajo para crear una psicología del personaje que no tuviera muchos antecedentes. Verónica es una chica que no tiene ningún tipo de raíz: desde pequeña ha viajado con su madre, una madre soltera, por lo que Verónica no tiene padre… Ella ha viajado por muchos sitios, ha conocido a mucha gente y tiene muchas ganas de vivir. También imaginamos que su madre desapareció hacía unos años, por lo que no tiene a nadie. Está sin familia. Aun así, tiene muchas ganas de vivir y está llena de vitalidad, y lucha por encontrar un sitio. Así es como imaginábamos a Verónica. Con lo que eso conlleva a la hora de contar la película, porque me daba todo como mucho dolor.

¿Por qué te daba dolor?

Anna Castillo: Bueno, me da mucho dolor pensar cómo alguien con tantas ganas de vivir tiene tan mala suerte.

¿Cómo ha sido meterte en la piel del personaje?

Anna Castillo: En este caso, me gustaba pensar en la ligereza y las ganas de vivir que te da un personaje que no tiene miedo. Verónica no tiene miedo: es salvaje y muy ligera, y eso es algo que yo quería buscar. Para mí, como decía antes, también ha sido doloroso vivir un proceso de apagamiento en un personaje así.

Me da mucho dolor pensar cómo alguien con tantas ganas de vivir tiene tan mala suerte”

¿Cuáles son tus siguientes proyectos?

Anna Castillo: Tengo cinco películas por estrenar. He estado rodando muchísimo y ahora voy a parar un poco. Además de La vida era eso, quedan por estrenar Mediterráneo, Donde caben dos, Girasoles silvestres y la nueva de Cesc Gay: Historias para no contar.

 ¿Y cómo es volver a Málaga?

Anna Castillo: Estoy muy contenta de estar aquí y me ha venido muy bien, la verdad. Me apetecía volver a ver a la gente, estar en un Festival… Está siendo muy guay.

En FlixOlé tenemos otra de las óperas primas en la que has trabajado, Viaje al cuarto de una madre. ¿Qué recuerdos guardas de esa película?

Anna Castillo: Es una de las películas más especiales que he hecho. También era una ópera prima, de Celia Rico. En este caso, es uno de los personajes más alejados a mí que he hecho, sobre todo en su manera de ser. Fue un proceso de trabajo muy interesante, y también trabajé con Lola Dueñas, que es una de mis actrices favoritas. Esta película, en definitiva, es muy especial para mí, y habla de un vínculo madre e hija que se aleja de cualquier cliché, con muchísimas capas y matices, y en el que tanto yo como cualquier mujer, ya sea hija o madre, se puede sentir muy identificada.

Volviendo a La vida era eso, háblame del francés. ¿Sabías francés?

Anna Castillo: No, yo no sé francés. Pero eran pocas frases y, como sí que puedo entender el idioma en lectura, pude decir unas cuantas frases.

¿Te llama la atención trabajar en el extranjero?

Anna Castillo: Sí, me encantaría trabajar en Europa y sería uno de mis sueños el hacer una producción de otro país. También tengo la suerte, por mi trabajo, de ir a distintos sitios, como cuando el año pasado rodamos en Grecia un par de meses, con esta película nos fuimos a Gante… Pero sí que me gustaría trabajar en el extranjero.

¿Y qué te apetece hacer que no hayas hecho hasta ahora?

Anna Castillo: Me gustaría hacer de mala. Puede que sea un cliché, pero me gustaría hacer un personaje más oscuro para ver qué tal se me da, también porque tengo esa imagen de buen rollo y de chica maja.

La película que venís a presentar en el Festival de Málaga, El Cover, es la ópera prima de Secun de la Rosa, que inaugura además la 24 edición del Festival de Málaga. Una película musical ambientada en la noche de Benidorm. ¿Cómo ha sido esa experiencia de rodar un musical con la complejidad que implica?

Marina Salas: En general creo que ha sido una película muy accidentada porque nos pilló en una pandemia mundial. Es una película con muchas complicaciones, ya que se trata de un musical y conlleva muchas dificultades técnicas. A priori, no es una película fácil para ser la primera que haces.  Para mí fue un rodaje muy bonito y muy divertido, conecté mucho con lo lúdico, con el juego. Creamos unos vínculos muy cercanos y muy bonitos, me lo pasé muy bien. Me sentí muy feliz.

¿Y para ti, Àlex?:

Àlex Monner: Comparto con Marina que fue un rodaje muy bonito de vivir, con complicaciones porque nos pilló el Covid de por medio. Sinceramente, yo le tengo que agradecer al Covid, si algo se le puede agradecer, que de repente hubiera un parón. Creo que nos vino bien porque Secun, y es una cosa que no pasa en ninguna ópera prima, tuvo tiempo para poder reflexionar sobre lo que habíamos rodado de la primera parte y pudo mejorarlo. Esto ha sido un gran añadido para el resultado final.

Y bueno, ¿fue un reto hacer un musical, o una película con canciones donde los personajes cantan?: La respuesta es sí. Nunca me había tocado cantar delante de un público, ni cantar en una película. No había estado nunca en contacto con el mundo del musical, pero como siempre me ha gustado cantar, y como siempre he tenido cierta confianza en mi voz, fue una piscina a la que saltar con cierto gusto. Creo que sufrí más y estuve más concentrado en sobrellevar otros aspectos de la película. El reto del musical no fue algo que me preocupara en exceso, disfruté bastante.

¡Ya estamos en el Festival de Málaga! Entrevistamos a Carolina Yuste y a María Hervás con motivo del estreno de El Cover, ópera prima de Secun de la Rosa con la que se inaugura la Sección Oficial del certamen.

Venís a presentar El Cover, la primera película de Secun de la Rosa que, además, inaugura el Festival de Málaga. Se trata del primer musical para ambas, y Carolina incluso canta. ¿Cómo es la experiencia de rodar un musical por las calles de Benidorm de noche?

Carolina Yuste: A mí los musicales me fascinan. Creo que esta película es difícil de catalogar porque no es un musical al uso, pero sí una película musical. Es chulísimo porque creo que se genera una energía y una “vibra” muy especial, además  de poder disfrutar el meterte en la historia. Y también canto, que es algo que me fascina y que no había tenido la oportunidad de hacer muchas veces de forma profesional.  También ha sido especial el poder rodearme de Secun, del equipo, las compañeras y compañeros…y el resultado tiene mucho que ver con eso.

Se trata de la primera película de Secun de la Rosa como director. Él ha sido un actor de mucho éxito que ha dirigido y escrito teatro… Pero ¿cómo es Secun como director?

María Hervás: Como director es una persona muy delicada. Cuida al actor incluso por encima del producto final. Eso es algo que no se acostumbra tanto a ver, sobre todo en el sector audiovisual, en el que no hay tanto tiempo. Un director tiene que ocuparse de tantas cosas que hay veces que, sin darse cuenta, nos dejan un poco descuidados a los actores.

El caso de Secun es todo lo contrario: es una persona que prioriza siempre al ser humano por encima de la técnica, por encima de todo. Y como director es lo mismo: siempre está a favor de que estemos cómodos, de que entendamos lo que estamos haciendo. Es un ser humano excepcional.

Tras una larga espera, la primera aventura de la familia Leguineche, La escopeta Nacional de Luis García Berlanga por fin ha llegado a FlixOlé. Y para recibirla como se merece, hemos preparado una colección de películas de culto que harán las delicias de los más cinéfilos. El término “película de culto”  se aplica a cualquier tipo de producción cinematográfica que haya adquirido algún tipo de veneración popular, bien sea por su formato o producción, pero principalmente por su argumento, su ideario o transcendencia histórica.

Estos títulos acostumbran a considerarse polémicas debido a sus tramas controvertidas  o poco convencionales, a veces atrevidas y transgresoras. En la colección que presentamos de PELÍCULAS DE CULTO, os traemos una selección de cintas excepcionales y sorprendentes que las desmarcan del resto, recopilando películas que son esenciales no solo para críticos o eruditos  del cine, sino para el gran público.

DE COMEDIA

Hay quien podría pensar que una película de culto debe ser sobria, elegante, casi experimental. Pero nada más lejos, la carcajada y el cine de culto son uña y carne. Como no podría ser de otra manera, La Escopeta Nacional (Luís Berlanga, 1978) abre este repaso de películas imprescindibles que deben verse al menos una vez en la vida. La comedia esperpéntica de Berlanga se inspira en las cacerías que organizaba “el Caudillo” y, de paso, se echa unas risas a su costa; Y aunque no se trate de una cacería como tal, en El día de la bestia (Álex de la Iglesia, 1995) Álex Ángulo se dedicará a perseguir al diablo por Madrid, intentando evitar que el anticristo convierta la tierra en un infierno.

Dejando las cacerías a un lado (aunque a veces buscar piso lo parezca), no dejaremos de reír con títulos como El Pisito (Marco Ferreri, Isidoro M. Ferry, 1959) en la que una pareja hará todo lo posible por conseguir asentarse en un domicilio.; o Amanece, que no es poco (José Luís Cuerda, 1989), donde haremos un surrealista viaje en sidecar con Antonio Resines.

VIDA RURAL

Pasando a una escena rural, destacamos grandes clásicos de la Historia del cine español como Furtivos (José Luís Borau, 1975) o Surcos (José Antonio Nieves Conde, 1951) donde la familia Pérez se traslada desde el campo a Madrid con la esperanza de mejorar su vida, un asunto muy de actualidad.

Volviendo a los 80’, avistamos El sur (Víctor Erice, 1983), película magistralmente dirigida por Víctor Erice, en la que acompañaremos a la pequeña Estrella en el descubrimiento del gran secreto que esconde su padre.

DRAMA

Al igual que hace reír, el cine de culto también es experto en hacernos llorar y poner nuestras emociones a flor de piel. De esta manera, en la colección de cine de culto haremos parada obligatoria en la película Te doy mis ojos (Icíar Bollaín, 2003) una sobrecogedora historia que retrata con  crudeza y sin medias tintas el drama de la violencia machista.

De igual modo, contamos con el espectacular éxito de crítica El Espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), protagonizada por una debutante Ana Torrent.

CINE NEGRO

Turno ahora de ponerse la gabardina y el sombrero de copa (y de paso, cubrirse de la lluvia) con una selección del mejor cine negro, encabezada por El cebo (Ladislao Vajda, 1958), donde un detective se verá obligado a recurrir a utilizar a una niña como cebo para detener a un terrible asesino.

Tampoco pueden faltar en esta oscura parcela del cine de culto títulos como El crack (José Luis Garci, 1981), el galardonado thriller de un joven Amenábar, Tesis (Alejandro Amenábar, 1996) o la imprescindible Muerte de un ciclista (Juan Antonio Bardem, 1955)

DE TERROR

Y acabamos este recorrido a nuestro cine de culto con una selección para echarse a temblar. Tendréis que estar preparados para huir de una legión de muertos hambrientos de carne humana en La noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1968) y perderemos la cabeza intentando escapar de una isla habitada por niños poseídos en ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976).

Estas son solo algunas pinceladas de lo que hemos preparado para vosotros. Las mejores copias restauradas siempre aquí, en FlixOlé.

FlixOlé estrena en exclusiva la película dirigida por el cineasta falangista Carlos Arévalo: Rojo y negro, desaparecida al poco de su estreno y descubierta en los 90′

Eran los años 40 y la dictadura franquista tenía recién afiladas las tijeras de la censura. Ello supuso un auténtico quebradero de cabeza para los cineastas. Además de ser testigos de la amputación de miles de escenas, los directores tenían que lidiar con inverosímiles indicaciones que permitiesen estrenar las ya deformadas obras. Eso si llegaban a las salas. Muchos largometrajes se quedaron sin cartel que exponer en los cines; mientras que otros, al poco de emitirse en la gran pantalla, acababan desapareciendo.

Tal era la cerrazón del régimen y sus censores que cercenaban hasta aquellas obras de su cuerda. Ésta fue la ‘suerte’ que acompañó a Rojo y negro.  Considerada una de las mejores películas de la década de su estreno, al margen de su cuestionable carga ideológica, ha pasado a formar parte de la historia del cine como la obra falangista que el propio Franco censuró.

El estreno de la cinta dirigida por Carlos Arévalo, militante del partido fundado por José Antonio Primo de Rivera, coincidió en tiempo con la vuelta de los primeros destacamentos de la División Azul de la Alemania nazi. La ocasión, la pintaban calva. En este contexto, el debut de Rojo y negro contó con el beneplácito del público y la crítica.

La película maldita, en FlixOlé

A pesar de tener, a priori, todos los ingredientes para erigirse como un altavoz propagandístico, la película escandalizó al dictador, así como a los estamentos militares. La obra de clara exaltación falangista desapareció de la faz de la tierra cumplidas tres semanas de su exitoso debut en el cine Capitol de la Gran Vía madrileña.

No fue hasta los años 90 cuando, de manera fortuita, la Filmoteca Española encontró esta joya cinematográfica. Abandonada en un altillo del ya extinto Banco Popular se hallaba la lata con el material. Desde el descubrimiento, apenas se han dejado ver sus escenas. Hasta ahora: FlixOlé estrena en exclusiva el largometraje Rojo y negro, pudiendo los suscriptores de la plataforma visualizar uno de los mitos del cine español.

FlixOlé estrena la colección FAMILIAS DE CINE, un repaso por los hogares de ayer y de hoy

El pasado 1 de mayo decíamos adiós al Libro de Familia. Tras un siglo de historia, ese documento guardado como oro en paño en los hogares españoles dejaba el papel para pasarse al lado digital. The times they are a-changing, cantaría Bob Dylan. Los tiempos cambian, y con ellos los usos y costumbres de la sociedad. Pocas cosas son capaces de resistirse a las idas y venidas que marca cada ciclo, las cuales afectan hasta nuestra esfera más íntima: la familia.

No cabe duda de que el concepto de familia, eje vertebrador de la sociedad en general, y de la española en particular, ha ido amoldándose a los nuevos tiempos. Pero, ¿tanto hemos cambiado?. Descúbrelo en FlixOlé con FAMILIAS DE CINE, una colección compuesta por más de 40 películas que nos muestran a la familia de ayer y de hoy.

Así, poniendo la vista en el retrovisor nos topamos con la comedia de lágrima fácil Mi tío Jacinto (Ladislao Vadja, 1956), obra maestra de su director. También nos encontramos con La gran familia (1962). En ésta, Fernando Palacios y Rafael J. Salvia representaron el arquetipo de hogar de la época, de acuerdo a los dictados del régimen de turno. Así, se nos presenta a una familia numerosa, compuesta por un matrimonio con nada menos que 15 hijos, y el abuelo: el anecdotario está servido.

El éxito de la cinta protagonizada por José Luis López Vázquez, José Isbert, Amparo Soler Leal y Alberto Closas, llevó a filmar varias secuelas: La familia…y uno más (Fernando Palacios, 1965) y La familia bien, gracias (Pedro Masó, 1979).

En todas las casas cuecen habas…

En aquellos tiempos, los estamentos políticos se esforzaron por que la sagrada institución familiar no se viese ensuciada ni injuriada. El director Carlos Saura se iría encargando de desvelar algunas de las tóxicas rutinas que escondía todo hijo de vecino una vez pasabas el felpudo: Ana y los lobos (1973) y Cría cuervos (1976). En esta última, el cineasta oscense ponía el foco también en la infancia y en la importancia de los referentes paternos en su desarrollo.

Igualmente, en El séptimo día (2004), Saura se adentraría en las pugnas entre familias llevando a la gran pantalla la matanza real que vivió Puerto Hurraco. Años antes, Julio Medem retrató también las rivalidades entre casas, en este caso vascas, en Vacas (1992). Sin embargo, si algo nos enseñó la tragicomedia de Shakespeare es que del odio pueden surgir historias de amor en sus descendencias: La vida que te espera (Manuel Gutiérrez Aragón, 2003).

Secretos, confesiones y soledades

Sin olvidar el clásico contemporáneo en el que se convirtió la película El Bola (Achero Mañas, 2000), a ésta le siguieron otras grandes cintas como La vida mancha (Enrique Urbizu, 2002), drama sobre maridos que mienten; o La vida de nadie (Eduard Cortés, 2002), un thriller en el que el ‘hombre de la casa’ finge ser alguien que no es durante décadas.

¿Y si pudiésemos elegir a nuestra familia? Santiago contrata a un grupo de actores para que, en el día de su 55 cumpleaños, se hagan pasar por su familia. Sin embargo, la escena teatral no comienza de la mejor manera. Este es el argumento de Familia (1996), largometraje con el que Fernando León de Aranoa debutó en la gran pantalla, llevándose el Goya a Mejor Dirección Novel.

Ya puedes disfrutar de todas estas películas y muchas otras en FlixOlé con la colección FAMILIAS DE CINE. ¿Con cuál te quedas?

No llegaba a los pedales del coche y todo el país ya conocía su apodo: El Vaquilla. El precoz delincuente de Barcelona, Juan José Moreno Cuenca, se convirtió en todo un fenómeno pop. Sus palos inspiraron canciones y no menos películas, siendo su personaje carne de cañón para el Cine Quinqui. En FlixOlé estrenamos Yo, el Vaquilla, cinta en la que participa el propio reo para relatar en primera persona sus comienzos como raterillo.

El director José Antonio de la Loma, padre del Cine Quinqui, quiso contar con El Vaquilla para sus películas. Sin embargo, la apretada agenda de este último impidió que, al menos durante un tiempo, De la Loma pudiese rodar con él. Y es que cuando el ladronzuelo no se encontraba dando un golpe es porque estaba entre rejas. Finalmente participó en su autorretrato en 35 milímetros en Yo, el Vaquilla (1985).  

Con Los Chichos de fondo, Juan José Moreno Cuenca aparece en pantalla como preso de la cárcel Ocaña I de Toledo. Mirando a cámara, comienza a narrar los hechos que le llevaron a pasar la mitad de su vida en prisión. De pequeño, los profesores subrayaban la cabeza de El Vaquilla para los estudios; sin embargo, su familia entendía que ese cerebro venía muy bien también para los robos. Aunque su madre intenta reconducirle, la vida le acaba llevando por otros derroteros.

En Yo, el Vaquilla, De la Loma cuela de nuevo la cámara en los descampados, chabolas y en los bajos fondos para mostrar el submundo marginal que crecía a espaldas de las grandes ciudades. Delincuencia y drogas formaron parte de las tomas que dejó la ‘cara b’ de la Transición, cebándose dichos problemas sobre los más desfavorecidos.

El cine puso negro sobre blanco la realidad, aunque lo hizo sin renunciar  al espectáculo ni a la acción. De esta manera, el Cine Quinqui retrató lo que sucedía a pie de calle al tiempo que llenaba las salas de cine. Si quieres conocer más de este género, no te pierdas la colección  CINE QUINQUI que hemos presentado en FlixOlé, donde tampoco podía faltar el último estreno: Yo, el Vaquilla.  

Con motivo del Día de la Madre, FlixOlé recopila los distintos papeles de este personaje femenino en la gran pantalla

Cada primer domingo del mes de mayo, el calendario queda marcado como un día solemne en el que rendir culto a la figura de la madre. Aunque el nombre de la valedora y protectora acérrima de sus retoños (a ojos de la progenitora, sus hijos nunca alcanzarán la mayoría de edad) es demasiado grande como para ocupar sólo un día en el anuario, desde FlixOlé nos sumamos a la celebración.

Pero lo hacemos sin caer en el recurso fácil de flores y perfumes. Conocedores de que el mejor regalo que puede recibir una madre, más a día de hoy, es compartir tiempo y momentos especiales con sus hijos, en FlixOlé os traemos una lista con las mejores películas para que te fundas en abrazos con tu madre mientras compartes palomitas en el sofá. 

Si bien el refranero popular dice que «Madre no hay más que una», el séptimo arte nos demuestra que hay de muchos tipos. En el cine español, los personajes femeninos se han enfrentado a la maternidad desde distintos planos. Descubre cuáles con este TOP 10 que te presentamos en FlixOlé con motivo del Día de la Madre.

FlixOlé estrena la ópera prima de Andrea Jaurrieta, Ana de día. Nominada en la gala de los Goya, la película se adentra en el lado oscuro que habita en toda persona

Criada bajo los convencionalismos propios de una familia de clase media tradicional, Ana se presenta como una joven formal que está a punto de terminar su doctorado y entrar a formar parte de una empresa. Todo parece color de rosas hasta que una pregunta al estilo Sigmund Freud en una entrevista de trabajo pone patas arriba su cabeza. Aprovechando que otra persona idéntica a ella ha suplantado su identidad, Ana empieza una nueva vida como Nina.

Decidida a romper el guion que el mundo parece haberle impuesto, la joven se muda a una pensión y comienza a trabajar en un cabaret. Poco a poco, la sombra de ojos de Nina va oscureciendo la pupila azul de Ana. Adentrándose cada vez más en la noche, empieza a comprender que la libertad que tanto ansiaba no siempre es sinónimo de felicidad.

¿Es posible huir de uno mismo?  En FlixOlé te dejamos que lo averigües con el estreno de Ana de día en nuestra plataforma. La primera película de Andre Jaurrieta se adentra en el mito alemán del ‘doppelgänger’, ese doble fantasmagórico que camina junto a todo hijo de vecino, para presentar a su personaje femenino. Sin embargo, lejos de caer en el género de terror, acerca un drama que anima al espectador a interrogarse continuamente.

Jaurrieta retoma en parte el argumento que dio sentido al primer cortometraje que realizó: Los años dirán (2013). Cinco años después, la directora introduce nuevas píldoras con las que abordar ciertos problemas que aquejan a la sociedad, en general, y a la juventud en particular.

Con motivo del Día Internacional del Libro, FlixOlé recopila las mejores adaptaciones de la literatura española en el cine

El papel de los autores españoles en la historia de la literatura universal no ha sido precisamente el de ejercer como meros escribanos de los géneros que han dado forma a las letras. Más bien, todo lo contrario. A lo largo de los siglos, las plumas ‘castellanas’ han contribuido al desarrollo de los movimientos literarios más importantes de este libro que llamamos mundo. Siendo una de las más ricas y extendidas del globo, la literatura española, y su larga retahíla de escritores y obras, ha gozado además de una segunda vida más allá del ejemplar de tapa dura gracias al cine, y de una tercera con FlixOlé.

La comunión entre papel y celuloide se remonta al origen del propio cinematógrafo. Desde sus inicios, la narrativa cinematográfica ha bebido en buena parte de los libros, convirtiéndose en una extensión de sus páginas, sin importar cuándo se escribieron. Es por ello que, con motivo de la celebración del Día Internacional del Libro, en FlixOlé hemos querido homenajear el legado de la literatura española a través de su adaptación al fotograma.

No son pocas las referencias literarias que atesora el catálogo de FlixOlé. En este repaso por las letras, os proponemos las 10 mejores adaptaciones de la literatura en el cine español: