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Cielo Negro, el filme olvidado del director Manuel Mur Oti

Una película que representa la actividad renovadora que llevó a cabo el cineasta Mur Oti, aunque no recibió el reconocimiento que debiera por ello

Helena Fernández

Se cumplen 75 años del estreno de Cielo Negro, la obra maldita de Manuel Mur Oti que, en poco tiempo, se desvaneció injustamente del foco mediático. Lejos de abordar cuestiones superficiales, la cinta ofrece un retrato profundamente crítico de la España de posguerra y, especialmente, de la situación de sometimiento a la que estaban relegadas las mujeres. Un recordatorio del tiempo en el que nacer siendo mujer era sinónimo de falta de libertad y autonomía. Carentes de independencia económica y social, su única esperanza era volar a los brazos de cualquier hombre que les propusiera matrimonio. Aspecto que sin duda la protagonista persigue desesperadamente.

Adaptación del folletín titulado Miopita, de Antonio Zozaya, Cielo negro rompió con los cánones cinematográficos de la época para convertirse en una obra audiovisual llena de virtuosismo técnico y narrativo. Resulta difícil comprender por qué cayó en olvido tan rápidamente. Mostrando claras influencias del neorrealismo, Mur Oti fue mudando progresivamente la propuesta. Los espejos, el expresivo uso de las sombras y una geografía madrileña convertida en reflejo del estado emocional de los personajes construyen un universo visual de una fuerza insólita para el cine español de la época.

Marcado por el exilio, la guerra y la ambición artística de hacer un cine alejado de los márgenes , el director fue capaz de reflejar en tan solo 93 minutos un profundo melodrama que ocupa un lugar fundamental en la historia filmográfica española —junto a obras coetáneas de directores como Juan A. Bardem y Berlanga—, y que consagró a su autor como uno de los principales renovadores del séptimo arte en España.

Sinopsis de Cielo negro

En el centro del filme se presenta Emilia, una modesta costurera que vive ingenuamente enamorada de Fortun, su compañero de trabajo. Un amor no correspondido del que este se aprovecha a conveniencia cuando la invita a la verbena. La salida implicó que la protagonista tomara prestado un vestido de su trabajo y acabara despedida por ello.

Sin embargo, antes de marcharse suplicó la nueva dirección de su compañero para enviarle cartas. Lejos de facilitar tal información, la vil modelo Lola le proporcionó los datos del domicilio de su primo. Aún no satisfecha con la burla de los escritos de Emilia, decide contratar a López Veiga, un poeta al que pagará con cafés y croissants para que responda las cartas haciéndose pasar por Fortun. Una pedida de matrimonio y la avecinada muerte de la madre de la protagonista ablandan el corazón de Veiga quien suplanta a Fortun hasta el fallecimiento de la progenitora. Este suceso y la futura pérdida de visión de Emilia son el detonante final para que la protagonista caiga en un colapso mental total.

Mur Oti y su paso al mundo de la dirección

La destreza estética con la que Mur Oti expresa su arte, emana de la literatura. Comenzó su carrera como escritor colaborando con el Diario de la Marina. Su versatilidad le llevó a escribir desde poesía hasta obras teatrales e incluso una novela titulada Destino Negro que logró ser finalista del Premio Nadal. Sus innegables habilidades narrativas, junto con su sensibilidad artística y la amistad con Antonio del Amo, le abrieron las puertas al cine.

Debutó como director con Un hombre va por el camino en 1949, con la que consiguió el premio CEC por su dirección. La obra que justamente marca el inicio de su trayectoria dentro de la generación de los renovadores. Un movimiento integrado por figuras como Del Amo, Arturo Ruiz-Castillo o José Antonio Nieves que aspiraban a un cine de mayor calidad técnica y narrativa en un contexto marcado por la censura y dificultades económicas. La corriente y sus miembros quedaron relegados inmerecidamente a un plano secundario y casi invisible en el foco público. Compilando de esta manera un cine que se posiciona entre las obras de posguerra y el nuevo cine español de los 60.

Estética, técnica y significado de la obra

La influencia de la generación quedó reflejada en la adaptación audiovisual de Miopita. El folletín costumbrista que Mur Oti plasma en la pantalla, retrata un contexto social de posguerra cargado de miseria y sordidez urbana. Un testimonio de una sociedad que lejos de poder impulsar los sueños o los ideales nobles, apostaba por una falta de solidaridad en la que la mujer ocupaba el rol marginal. La obra retrata no solo cómo la mujer era vista en un tiempo donde dependía de un hombre, sino el contexto de penuria en el que estaba sumida aquella España, sobre todo en las clases humildes.

Mur Oti convirtió el folletín de Zozaya en una obra cinematográfica clave del cine vanguardista español. Combinando su sensibilidad con su capacidad narrativa, dio vida a una película castizamente costumbrista en la que prescindió de los aspectos más sentimentales de la obra de Zozaya para profundizar en el melodrama puro y dotar al relato de mayor crudeza.

El uso de ciertos simbolismos, tales como la ceguera que enmascara la cruel realidad, hacen que la obra destaque y ahonde sutilmente en una verdad de la España de la época: la docilidad e ingenuidad con la que la mujer era encasillada. A pesar de la feroz censura, Mur Oti no obvió en su filme las secuelas del conflicto fratricida iniciado en el 36, abordando con agudeza el hambre de la posguerra y las represalias ejercidas contra el bando republicano.

El director también hizo constar su alto conocimiento técnico con el mítico travelling final. Un plano secuencia de diez minutos que ha quedado grabado en nuestra memoria cinematográfica. Mediante este recurso consiguió trascender el plano terrenal para elevarse al ámbito espiritual y simbolizar la redención de Emilia al depositar su fe en Dios. Para dotar de aún más dramatismo a la escena, y consistencia estética, el director de fotografía, Manuel Berenguer, decidió que la lluvia que precedía a la escena de la iglesia se hiciese con leche. Dicha decisión fue criticada duramente, ya que fue considerada un insulto por desperdiciar alimentos básicos teniendo en cuenta el hambre y precariedad de la posguerra.

Este matiz no fue lo único que generó debate. Y es que el director adaptó el final acorde a sus tendencias artísticas y, complaciendo la censura presente, descarriló de su concepción inicial, haciendo que Emilia encontrara el perdón en los brazos de Dios. Elemento controversial dado que Zozaya era krausista y republicano.

El exitoso reparto con el que contó el proyecto

Aunque ciertos aspectos fueron cuestionados por la crítica, la actuación de los protagonistas queda fuera de polémica.

Susana Canales realiza en esta obra la que es considerada su mejor interpretación de toda su carrera. Con el papel de Emilia, consigue que el público no despegue la mirada de ella, no solo por su belleza, sino también por su talento. Una capacidad inequívoca de transmitir un dolor que desgarra a cualquiera que sienta un ápice de empatía por una persona que lo ha perdido todo. Tal es su interpretación que fue premiada con una medalla CEC a la mejor actriz, lo que impulsó su trayectoria a un plano superior. Sobre todo porque se alejó de los roles juveniles que interpretaba en su ya consolidada carrera en Argentina.

En cuanto a Fernando Rey, pese a que no ganó ningún premio, luce una interpretación natural como el poeta López Veiga. Su papel de galán de buen corazón fue calificado por la crítica como una actuación magistral e inconmensurable. Y no era de extrañar tales calificativos teniendo en cuenta que era uno de los actores con mayor proyección del cine de posguerra. Con esta buena fama sobre sus hombros, escaló con rapidez al ámbito internacional junto a Buñuel, como en la película Tristana.

Otro papel que cabe destacar es el de Luis Prendes, con una interpretación efímera pero que deja huella. Su actuación refleja a la perfección ese antagonista sentimental que acentúa la soledad de la protagonista agravando su malestar. Aunque el actor era considerado uno de los galanes más cotizados de la posguerra española, este papel marcó un giro clave en su carrera cinematográfica. Asociado a comedias o melodramas convencionales, Prendes sale de ese encasillamiento con este papel más acorde a una actuación contenida.

La película tuvo una muy buena acogida durante su estreno, tanto de público como de crítica, que la calificó como “obra maestra absoluta”. Sin embargo, el paso del tiempo la condenó al ostracismo, viviendo un periodo de abandono total impulsado por la “tierra de nadie” cronológica en la que se estrenó Cielo Negro.